# 忙しい人ほど睡眠時間を増やすのは難しい。 だから何時間眠るかだけでなく、どう眠るかにも目を向けてみる。 睡眠の質を考える上で大切なのが、熱をこもらせないこと。 ブレインスリープピローは、頭周りの熱に注目し、高い通気性で熱を逃がしやすく、独自構造で頭にフィット。 時間だけではなく、質を考える睡眠へ。 ブレインスリープで検索。 生まれたばかりの社会にはどんな音がある? こんな音? こんな音? それとも、おはよう、こんな音? 赤ちゃんは音を通して少しずつ世界を知っていきます。 生まれたばかりだからこそ、見つけられるものがある。 その小さな未来のために、自由診療の拡大新生実クリーニング検査。 これからの社会を、リスナーの皆さんと共に考えていくシリーズ。 社会をこれからどう設計していくか。 この企画は、みんながみんなを支える社会を目指し、 企業やNPO、行政、国際機関などとともに、 国内外さまざまな社会課題の解決に取り組む、 日本財団とのコラボレーションでお送りしています。 今夜のテーマは、最高峰の原楽器、ストラリバリウスなどを若者に。 未来の演奏家を支える楽器対応授業とは。 私たちが日々楽しむ豊かな音楽。 音楽配信サービスで、さまざまなジャンルの音楽に触れられる中、 今夜取り上げるのは日本のクラシック音楽です。 クラシック音楽は芸術音楽といわれ、 演奏家になるには才能だけではなく、 経済状況や技術の取得も必要で、非常に高い壁があります。 また、活躍するためには自分の可能性を広げてくれる楽器との出会いも欠かせないといいます。 しかしその購入や維持には多額の費用がかかり、 経済的な受賞によって活動の機会が限られてしまうという現実があります。 また、クラシック音楽には文化の普及や楽器の継承などさまざまな課題も抱えています。 こうした課題に対し、資金支援ではなく楽器そのものを貸し出し、 若手演奏家などを支え文化を継承していく取り組みが楽器対応事業です。 今夜は実際に楽器の対応を受け、世界で活躍するバイオリニストの方たちを迎えて、 楽器対応事業が演奏家にどのような影響を与えているのか、 そして未来のクラシック音楽文化への継承にどうつながるのかを考えます。 それでは本日のゲストです。バイオリニストの渡辺玲子さんです。よろしくお願いいたします。 渡辺玲子さんは15歳の時、若き演奏家の登竜門である日本音楽コンクールにおいて最名称優勝を果たされ、 同時に全部門を合わせて最も優れたものに贈られる増澤賞を受賞。 以降、日本のみならず世界のバイオリン界をリードする存在として活躍されています。 現在は教育にも携わり、東京芸術大学の翔平教授も勤められています。 続いてバイオリニストの毛利文化さんです。よろしくお願いします。 毛利文化さんは第8回ソウル国際音楽コンクールにて日本人として初めて最名称で優勝し、 それ以降も数々の音楽コンクールで賞を受賞。 現在はソリストとして東京フィルハーモニー公共楽団、東京公共楽団、ブリュッセルフィルハーモニックなど国内外のオーケストラと共演を重ねていらっしゃいます。 そして笹川音楽財団事業部部長の古川美穂さんです。お願いいたします。よろしくお願いします。 古川美穂さんの所属する笹川音楽財団は、1974年にアマチュア音楽の振興普及のため設立され、おととし設立50年を迎えました。 現在も楽器対応事業を軸に若手の演奏家を支えていらっしゃいます。 今日はこの演奏家が抱える課題、それからそれを支える仕組みについて考えていきたいと思います。 また今夜は渡辺さんと毛林さんによる演奏も披露していただく予定です。 そのことを通じて音楽を継承することについても考えていきたいと思います。 では今日はいくつかブロックに分けてお話を伺います。まずはこちらから。 才能だけでは乗り越えられない若手演奏家の壁とは。 実際に音楽を奏でてそれを継承したり披露するには、いろんな壁というのがあるということになるわけですね。 渡辺さん、演奏家の壁といえば技術の磨き方、これもあるかと思いますが、それ以外にはどんな難しさというのが存在するのでしょうか。 そうですね。もちろん技術がレベルが高くなれば高くなるほど、いわゆる音楽市場に入っていける確率は高くなるわけですけれども、 でも上手だからって必ずしもキャリアを築けるわけでもないというところがありまして、 やはりいいチャンスを掴むことというのも一つの本人の運というか、そういうものもないとキャリアを始めることは難しい。 それにあたっては皆さんコンクールで入賞されたりとか、そういうことを目標としてやっている人が多いですけれども、 例えばヨーロッパとかアメリカなんかだと、もともとその社会の中にその子の存在というのが若い時からわかっていて、 そういうコンクールなどというものを受けなくても、その社会そのものがその人を押し出していくという仕組みもあるので、 最近の傾向としてはやっぱり東洋人が国際コンクールでファイナリストとして残ることが多いんですけれども、 一つにはやはりそうやって押し出してくれるその本番の市場であるヨーロッパやアメリカで押し出してくれるつてがないアジア系の人が、 やっぱりそういうコンクールのようなものを本当に真剣に受けるということはあるのかもしれません。 だからそこら辺のところは本当に演奏家としてデビューするということは一つの難しい運もかかったところだということですね。 いろんなルートがあるのでも誰も同じルートを通れないので、 このコンクールを利用する方もいれば社会のエンパワーメントや財団などの支援とかいろんな形があって平等ではないということですね。 そうですね。やはりどうしても平等ではないと思いますね。 また当然才能があれば上手になれるのかというと練習機会とか練習できる場所とか練習できる時間とか、 あとどうしても例えばお仕事とかをしたりしているとなかなか時間を割けないなどこうしたところにも差がありそうですね。 そうですね。やはり若い時はそれこそヴァイオリンなどの楽器演奏に関してはスポーツ選手と一緒で やっぱりトレーニングをきちんと積まないとそれだけの技術が身につかないので、 そういう時間を自分に割くことができるかどうかというそういう部分もあると思います。 そうするとその人のストイックさや真面目さだけではなくて周りの理解、親の理解とか。 そうですね。協力とかサポートというのはとても大事なところだと思います。 コンクールとなった時に毛利さん、実際にチャレンジする際にあるいは準備する際にはどんなことが必要になってくるんでしょうか。 そうですね。まずコンクールに向けて準備する段階で先生に見ていただいたりとか、 あと海外の先生のマスタークラスを受けたりだとか、いろいろなところにコンクールを受ける前にまずいろいろ自分の演奏を聞いてもらったりという機会があると思うんですけど、 私の場合結構いろんな先生見ていただいたりとか、そういうマスタークラスに参加する費用もそうですし、それが海外であったら渡航費もかかりますし、 そういうところの費用っていうのは大きいと思いますね。 ちなみにマスタークラスって何ですか。 マスタークラスっていうのは、例えば日本でもいろいろな都市で開かれるんですけども、 一定期間、例えば1週間とか、別に決まりはないんですけども、 例えば1週間あって期間が、そこに先生が講師として例えば5人招待されていて、 そこに生徒は応募して、それも本当にマスタークラスによって全然違うんですけども、 例えば自分で録音を送って応募するとか、そういうのがなく全員受けられるっていうのももちろんありますけども、 そうやって自分のいつも習っていない先生のレッスンを、 何人かその期間の間に自分の演奏を聴いていただいてレッスンしていただくとか、 そういう形ですね。 自分のいつものレッスンというよりかは外部の先生に聴いていただいたりとか、 ちょっと違う都市だったり国に行って演奏を聴いてもらうっていうのが多いと思います。 特別な機会になると同時に普段とは違う方に披露することになるので、 受けられる助言も変わりそうでし、 あと同じく受けてくる他の練習生たちとの接点とか。 本当にそうです。私もそういうマスタークラスで先生との出会いはもちろんなんですけども、 同じ同年代の音楽家たちに出会った場でもありますね。 本当に小さい時からそういうところで出会った仲間が今でも一緒に演奏していたりとか、 お互いに切磋琢磨するっていう場所でもあります。 例えばヨーロッパのあの街で今度はこういったマスタークラスがあるらしい。 そこに参加すると次のチャンスにつながる可能性があるというような格好で、 みんな応募が殺到するような状況にもなるんですか? そうですね。本当にそのマスタークラスにもよると思うんですけど、 本当にそういう状況はあり得ますし、 そこでいわば小さなコンクールが発生するみたいな状況もなくはないですね。 たまに海外とかで。 そうすると今ご指摘があった渡航費もそうですし、 あるいは例えば楽器とか、あるいはそこでの滞在費とか、 いろんなものを準備しなくてはいけないんですね。 はい、そうですね。本当に。 実際行かれた際にはどんな準備が必要だったんですか? そういう費用の面で。 マスタークラスに行く際の。 私の場合は、いろいろな財団が例えば海外の留学を支援しますとか、 音楽の勉強に対して奨学金を出しますという、 そういうものをいただいたりして、 もちろんそれより前には家族の協力があって、 いろいろ出してもらったりとか、そういうのももちろんあるんですけども、 その後、もう少し年齢を重ねた後に、 そういう財団に応募して、奨学金をいただいて海外に行ったりとか、 そういう風に私は費用を支払っていました。 そういった財団にも、また才能を示したりとか、 練習計画などを示したりする必要があるわけですか? そうですね。自分の録音だったり、録画を送ったり、履歴を送ったりという、 応募のプロセスはだいたいあります。 逆に同世代で、才能など以外の理由で、 いろんな壁によって道を諦めたという人もいるんでしょうか? そうですね。そういう方もいらっしゃるとは思うんですけども、 それでもいろいろな奨学金をいただける機会だったり、 この今、楽器対応の機会もそうですけども、 そういう機会というのは、いくつか少なくないので、 そういうところに自分でチャレンジしていくというのは、 結構、音楽を続ける上で大事なことの一つだなと私は思います。 この楽器対応、楽器を借りるという時に、 どこからどの楽器を借りようかというのは、どういうふうに選択されたりするんですか? 楽器対応に関しては、特にこの笹川音楽財団の皆さんから貸していただける楽器、 この事業自体はとても、私は有名なものだと思っていて、 国際的にも有名だと思っていて、 ですので、それなりにキャリアを進めていくというか、 あといろいろなところで勉強していると、 なんとなくこの財団の事業については耳にすることが大体多いと思うので、 それが絶対に選択肢の一つになると思いますし、 あとはコンクールで入賞したら副賞として楽器を借りられるという、 そういうものもあったりするので、 そうですね、同年代の人と情報交換することもありますし、 いろいろインターネットで調べて知るということもありますし。 渡辺さん、楽器の確保というもので苦労されたり悩まれたりということはあるものなんでしょうか。 それはありますね。 一番安全なのは自分で一番弾きやすいと思っている楽器を持っていたら、 それは自分の好きなようにいつでも練習できて本番で弾けるからいいけれども、 例えば私も、ささかわ音楽財団、かつて日本音楽財団という名所でしたけれども、 ずいぶんいろんな楽器をお借りしましたけれども、 やはり対応期間というのがあるので、 ここまで来たらどうしてもお返ししなければいけないとか、 そういうルールがありますから、 その直後のコンサートはどの楽器でやろうとか、 新しく、例えば次に何か借りたとしても、 それまでにいい音が出るようになっているかどうかとか、 いろんな大変なところがあります。 そのやりくりというか。 やっぱり出したい音であるとか、 音を出す楽器に馴染むかどうか、 曲に馴染むかどうかなどいろいろあるんですね。 そうなんですね。 楽器は手に入ったその日からすごくいい音が出るわけではなくて、 やはり相性なので、相性を作っていくので、お互いに。 だからその楽器が自分のところに来たときに、 自分の奏法とその楽器の持っている音の性質を うまくどういうふうに作り上げていくかということを すぐに始めるんですけれども、 少なくとも半年くらいはそういうものが 決してできるまでにかかると思いますね。 楽器にもよりますが。 音色と例えば自身の奏法とそして曲が どうしても合わないなということもあるんですか? それは多分あると思います。 あとは例えば楽器の大きさですね。 ヴァイオリンといっても少し大きめだったり小さめだったり、 いろんな形の特徴がありますので、 自分の体にうまくフィットしないようなタイプの楽器も たまにはあると思いますね、それぞれの人で。 そうするとなかなか負担が指にかかってしまったり ということも起こり得ると思うので。 また特に若い演奏家が安定的な良い楽器を手に入れるという この意味についてはいかがでしょうか? はい、とても大事なことだと思います。 それこそ、森さんと私と多分私、彼女の倍ぐらいの年齢なんですけど、 私が20代の頃は楽器対応してくださる財団とかそういうのは 今よりも少なかったと思うんですね。 ですから私たちの世代は結構国際コンクールなんか行っても 自分の楽器でそんなに素晴らしい音が出ない楽器でも 自分の楽器でやったというような経験があるんですけど、 私なんかは20代の終わり30代になって初めて そういうスタリバイルスとかガルネリみたいなものを手にして 演奏する経験を得たわけですけれども、 なので、素晴らしい楽器を手にするのはいいんですけれども、 やっぱり何かの時にちゃんと自分の最低限良い演奏ができる楽器を 確保しておくということも一つとても大事なことだとは思います。 またどの楽団と組むかとかどの舞台で演奏するのか、 それの舞台に見合った楽器などを選ぶということもこれあったりするんでしょうか。 そうですね、楽器は音量という言い方をしますけれども、 どれだけ響きが貫いていくかということが一つ大きな大事な要素になって、 とりわけコンチェルトのソリストを務めるような場合は後ろに100人いますから、 その100人のオーケストラの楽器に対して、 そのヴァイオリン1調で演奏するときに負けないというのは、 やっぱりスタリバイルスとかガルネリとかそういうクラスの楽器は負けないんですよね。 音自体の響きが表に出るので、 それはすごく特徴的だと思いますね。 それは音量もさることながら、音の質ですね。 確かにこのソロというのが響き渡る、 これが今回の主役なんだ、中心なんだ、それをもとに曲が成り立っているんだということを オーディエンスが実感できるような。 そうですね、やっぱり音に魅力があるかどうかというのは 一番直接的に聴衆に伝わる部分なので、とても大事な部分ではあります。 ここで何度か名前が出てきているストラディバリウスですけれども、 古川さんこれはどういった楽器なんでしょうか。 ストラディバリウスのプロフィール的にご案内しますと、 ストラディバリウスというのは、イタリア北部にあるクレモナという町で ミラノの列車1時間くらいのところですけれども、 アントニオ・ストラディバリという方の工房で製作された ヴァイオリン、ビオラ、チェロなどの原楽器の総称のことです。 1600年代後半から1700年代前半にかけて製作されていたのですけれども、 それこそ今でも様々多くのメーカーがある中で、 今に至るまで原楽器の最高峰というふうに言われています。 今のお話を聞いていると、単にそれが例えば老舗で高級でというのではなくて、 コンサートであるとかホールの舞台などで非常に流行るからこそ いい楽器として評価されているわけですか。 そうですね。 ストラディバリウスというふうに一言で言っても、 楽器にそれぞれ特徴があるのですけれども、 例えば今日お持ちいただいた、ストラディバリ自体が 職業人生の中で常に改善をする方でして、 今日お持ちいただいた1666年製のアルムヌス・アマティ 渡辺さんが弾かれている楽器です。 アマティの弟子という意味なんですけれども、 ストラディバリウスの最初期の作品になります。 師匠が作っていた型に倣って、音量は少し控えめですけれども、 とても繊細で美しい響きが特徴ですね。 音が大きいということと、音色が飛ぶかどうかというのは また別の話ですので、そういった繊細な響きを響かせることが コンシルトでもできるということで、 毛利さんにお使いいただいている1717年製のサセルノは、 かつてフランスのサセルノ公爵が所有していたことにちなんで そういうふうに呼ばれているのですけれども、 いわゆるストラディバリのゴールデンピリオドといわれるところの作品で、 最高の技術と材料でもって作られていて、 ホールの隅々までクリアに届く輝かしい音色が特徴 というようなことになっています。 渡辺さん、こうした楽器を持つことの強みや意味、 演奏家にとってはどんなものなんでしょうか。 そうですね、まず自分の中で曲を弾くときに、 こういう音色を伴ってこういうことを表現したいというふうに、 演奏家はみんなそれぞれ考えるわけですけれども、 その楽器によって自分のイメージしていた、 限られた自分のイメージから全然違う、 もっとこういう音が出るのねっていう、 こういうふうに自分で弾きながら、なるほどねっていう、 そういう、どう表現したらいいんでしょうね。 だから自分の殻を破る機会を与えてくれる楽器でもあるんですね。 だから演奏していて、確かに何でもかなんでも、 ただ弾けば音が出るんじゃなくて、工夫しないともちろん出ないんです。 特別な技術が必要なんですけれども、 でもそういうものをマスターした上で、 その楽器に接しているととにかく楽しいというのはあります。 音色に驚くことっていうのがあるんですか。 ありますね。 ここでこういう音が出るので、 例えば今まで違う楽器で、 私なんかやっぱり同じクレモナの楽器で自分の楽器を持っているんですけれども、 ストリバリとかそういうクラスの楽器ではないんですが、 それで演奏して、普段演奏していて、 例えば今回の楽器で弾くと、 ああ、こういう音が出るのね、なるほどねっていう、 そういうモーメンツがいっぱいあるんですね。 それはすごく楽しいです。 楽器の側から何かキャパシティを引き出してくれるというか、 そうなんですね。 コミュニケーションが別のものが始まるんですね。 そう。 そうです。 だからとてもそういう意味では楽しいです。 大森さんはどう感じますか。 本当に本音さんがおっしゃっていることには本当に同感で、 本当にそういう名機の素晴らしい楽器を弾かせていただくと、 本当に楽器から学ぶことっていうのは多くて、 ああ、こういう音色も出るんだなっていうのをどんどん学んでいって、 やっぱりそれによって自分の表現の幅を広げる大きな助けになると、 そうやって今後また自分の楽器に戻ったりとか、 他の楽器を弾くときもやっぱり耳で音色だったり、 いろいろなことを覚えているので、 その分やっぱり音色の幅が広がっているということなので、 そういうふうに私も学ばせてもらっています。 名機から奏法とか音色を体に叩き込まれて、 また他の楽器を演奏する際にそれが参考になるって、 マジカルな体験ですね。 そうですね、本当に素晴らしい体験だと思います。 こういった楽器を渡していく、貸していくという、 この授業の意味についてさらに考えていきたいと思います。 こちらです。 世界最高峰の楽器を演奏家へ。対応授業の意義とは。 古川さん、この対応授業、要は貸し出すというこの授業、 これはまずどういったものなんでしょうか。 今お二人のお話ありましたように、 演奏家が良い楽器を手にするということは、 とても大切なことなんですけれども、 当財団が楽器対応を開始した1994年には、 既にこうした名機はとても高額で、 若い演奏家が購入できる楽器ではありませんでした。 そこで若手を支援する目的で、 親財団である日本財団の笹川陽平氏の提言で、 名機の対応授業を開始したというふうに聞いています。 同志の未来をつくるのは常に若い方々というスピリットを継承して、 今でも運営しています。 確かに今の話を聞くと、 名機がさらに演奏を高めに導いてくれるのであれば、 もう既にある程度成功していて、 良い楽器を手に入れた人がずっとトップにいたりしていて、 そうすると裾野が広がれなかったり、 いろんな方々に対するチャンスが開かれなかったりと、 そんなことになりかねないんですね。 おっしゃる通りだと思います。 この対応授業を行うというのは、 当然資金提供以外ではなくて、 楽器提供、楽器の運搬などもサポートするんですか? 運搬までは、 演奏家の方々がコンサートに向かわれるというところは、 ご自身の中でしていただきます。 私どもで演奏会をするときには、 そういった料費ですとか、 もちろん経費の中で見ていきますけれども、 それ以外に楽器のメンテナンス、 それに必要な費用ですとか、 保険ですとか、 そういった楽器にまつわるところは、 財団が負担しています。 これまでどんな楽器を、 どういう風に貸し出してきたんでしょうか? 今、ストラディバリウスで申しますと、 ニコロ・パガニーニという方が、 イタリアの伝説的なヴァイオリニストですけれども、 ご自身で演奏するために集めた、 クアルテッドのセットが一つ、 ヴァイオリン2丁と、 ヴィオラ、チェロ1丁ずつですけれども、 常に常設の始終相談に、 セットとしてお貸ししています。 それから、ゴールデンピリオド、 ストラディバリウスが傑作を生んだ時期のものですけれども、 その作品を中心に、 最初に、 最晩年に製作したヴァイオリンが14丁、 そしてチェロが2丁。 いずれも、 ソロで活躍するヴァイオリニスト、 チェロリストに、 チェリストにお貸ししています。 それから、 グアルネリデルゼズという、 ストラディバリと並び称される クレモナの名誉がおりまして、 彼のヴァイオリンが2丁。 こちらも、 ソロで活躍するヴァイオリニストにお貸ししています。 渡辺さんは、 最初に貸し出されたときに、 貸してもらったときのことを 覚えていらっしゃいますか? よく覚えています。 20代の本当に最後の方だったと思うんですけど、 今、財団が所有していらっしゃる エングルマンという楽器を 貸していただいていて、 それまでストラディバリウスという 楽器そのものを 弾いたことがなかったんですね。 に加えて、たまたまそのエングルマンは ずいぶん長い間、 50年くらいかな、 弾かれてなかった楽器で、 それだけ木の箱が共鳴して 音が出るわけですから、 ヴァーリンの場合。 共鳴するとこから始めなくてはいけなくて、 私自身がストラディバリウスを知らない、 その上にあまり弾かれてなかった ということで、 最初のうちはずいぶん 音を出すということに対して 試行錯誤があったのは 記憶しています。 それからだんだん馴染んできて、 自分の楽器の向き合い方も 変わっていきそうですね。 そうですね。 それをお借りして 5年くらいかな、 いろいろと楽器が変わったりする機会も あったんですけど、 それぞれの楽器で 特徴がまた違うので、 それはそれで私の中では ずいぶんストラディバリウスのような 楽器を弾くときの 弾き方というものの 学びになりました。 森さんは初めて触れられたとき、 貸し出されたときはいかがでしたか? 私の場合は このサセルノという楽器は 前に対応されていた方が 割と直前まで弾かれていたので、 すごく鳴らしにくいという印象は なかったんですけども、 やっぱり半年、1年と経つと なってきているなという感覚があって、 やはり時間は必要なんだなというのを すごく実感していて、 あとは本当に そういう名機を弾かせていただく という責任みたいなものを すごく感じますね。 本当に単純に管理もそうですし、 そういう楽器で いろんなコンサートを 弾かせていただくという どういう演奏機会を いただくかという そういうところに対する 責任もすごく感じました。 ではですね、 森さんと渡辺さんには 今から演奏の準備をしていただきますので、 お二人ともよろしくお願いします。 よろしくお願いします。 その間、さらに古川さんに この体育授業について お話を伺っていきたいと思いますが、 貸し出すには 貸し出すための楽器、名機というものを これまた維持したり、 誰にどれくらい貸すのかという このマネジメントや管理も 必要になりそうですね。 これはどうされているんでしょうか。 まず楽器をお貸しする方なんですけれども、 楽器対応委員会というところ、 楽器対応委員会を 年に一回開催いたしまして、 そこに向けて皆様に 関心のある方に応募をしていただきます。 そこで選ばれた方々は 5年とか7年とか 比較的長期にわたって 使っていただけます。 コンサートですとか レコーディングですとか 通常の演奏家としての活動に 使っていただくのですけれども、 比較的長い時間をお使いいただけるので、 音楽とじっくり向き合っていただける、 成長の糧にしていただける というような形の対応に加えて、 例えばデビュー公演ですとか、 コンクールに出たいですとか、 就年授業ですとか、 オケージョンとか 使いたいというような方に対して 1年間の上限にお貸しする、 これは不定期なんですけれども、 そういった募集をすることがあります。 これ楽器というのは、 例えば倉庫であるとか博物館で 大事に保管するではなく、 弾き続けることなどによっても 持続性が変わってくるわけなんですか? そうですね。 さっき渡辺さんもおっしゃってましたけれども、 本当に素晴らしい手つかずの、 誰も極端に音を弾いたことがない というような楽器を 博物館に飾ってあることがあるんですけれども、 そういった楽器を取り出して それを弾いたらすぐになるかというと、 楽器としてそこは難しいものがあるとは思います。 いろんな方に弾き続けてもらう、 いろんなことを奏で続けてもらうというのも、 楽器にとってもいい面があるんですか? そうですね。 楽器としての生命を紡いでいくのには確かに 定期的に弾かれるということは とても大事だと思うんですけれども、 そういった楽器を取り出して それを弾いたらすぐになるかというと、 楽器としての生命を紡いでいくのには確かに 定期的に弾かれるということは とても大切なことで、 音楽財団はそういった方向を お向きを置いて活動しています。 当然そうすると 劣化という問題があるんですけれども、 そこは両輪で 状態を見ながら 使っていただくというようなことで バランスを取りながらやっています。 大変な長距離を移動したりとか、 いろんな湿度とか、 いろんな温度の場所を動くので、 そうですね。 それが一番楽器にとっては 影響が大きいと思います。 メンテナンスもかなりの頻度で やらないといけないものなんですか? そうですね。 お願いしているのは、年に4回。 3ヶ月ごとに財団が指定する楽器ショーに 行っていただいて、 そこでチェックを受けたり、 小さな日々のメンテナンスを受けて、 日々の仕様でニスがダメになったり というところを メンテナンスしてもらったり というようなことで、 そういった修理した後の記録というのは 全部ストックしておいて、 どの楽器がどこで どういう処理をしたかというようなことは 記録をつけておいて、 もうちょっと長いスパンになるんですけれども、 数十年に一度ぐらい、 どうしても経年劣化というものが 生じてしまうものでして、 性格的に。 そういったものをオーバーホールをしよう といったときに、 指定楽器ショーと メンテナンスショーを 行っていただいて、 オーバーホールをしようといったときに 指定楽器ショーと、 あともう一人楽器アドバイザーというのが いるんですけれども、 この二人体制で、 いつ、どのようなタイミングで どのような修理をするかというのを 二人体制で見ていくというようなことで やっています。 他の楽器と比べても こうした名機とされるものは 修理できる場所というのも限られるんですか? 限られています。 こういった楽器に扱い慣れている方に お願いしています。 スケジュールであるとか これからの予定などを しっかりと組むということも必要になりますか? 演奏家の皆さんには、 そこは皆さん本当に 年間何十公演忙しい中で 旅行を含めたり リハーサルを含めると もう本当に長く 時間が取られてしまいますので スケジューリングも大変 合わせるのは難しいことはあります。 さあ、ではここで 渡辺さん、森さん、 ご準備いかがでしょうか? 大丈夫ですか? それでは、それぞれ演奏いただけるということで 音色を聞かせていただきたいと思います。 まずは渡辺玲子さんに 演奏していただきます。 よろしくお願いします。 曲を弾いた方がいいですか? はい、お願いします。 バッハ作曲の パルティーダ第2番から サラバンダを演奏いたします。 はい。 サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ サラバンダ 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